Los autorretratos encantados de la artista finlandesa Helene Schjerfbeck nos hablan de su relación con el duelo y el aislamiento, explica Fisun Güner.
Podría ser una máscara mortuoria, esa cabeza descarnada con ojos hundidos. Algunos rasgos rotos en carbón suave, el rostro incorpóreo se inclina ligeramente hacia adelante, suspendido en el espacio. No hay mirada, no hay autoexamen, no hay conciencia de ser el objeto de la mirada de alguien. La cabeza y los rasgos reducidos al tamaño de este frágil sobre, es un retrato increíblemente crudo de la ruina humana; una abyecta imagen de renunciación. Todo lo que había dentro de esa cabeza impenetrable no nos es accesible.
Dibujado en 1945, poco antes de la muerte del artista a los 83 años en enero del año siguiente, fue el último autorretrato dibujado o pintado por Helene Schjerfbeck. En una exposición que presentará el trabajo de Schjerfbeck por primera vez al público británico, este minúsculo dibujo se muestra junto a un retrato igualmente minúsculo que el artista finlandés dibujó en su adolescencia o principios de la adolescencia. principios de los veinte.
En este primer autorretrato, Schjerfbeck nos mira con lúcida intensidad; su evidente dominio de sí mismo. Parece estar mirando al espectador con una mirada un poco burlona, aunque el espectador en esta demostración confiada de autoexamen es, por supuesto, ella misma. Pero lo que también está claro es que se ve a sí misma como el objeto de la mirada de alguien y lo afronta con férrea confianza.
Un mundo y una vida aparte, estos dos dibujos se encuentran actualmente a la vista en la Royal Academy of Arts de Londres. Schjerfbeck ha tenido una vida larga y prolífica, y aunque esta exposición analiza de cerca la gama de sus logros, son sus autorretratos los que parecen tan modernos de una manera muy desconcertante. Los ha pintado a lo largo de su vida, pero especialmente en sus dos últimos años, ya que se ha encontrado cada vez más aislada con su edad y salud. La galería central de la Royal Academy está enteramente dedicada a una selección cronológica de autorretratos.
“Mi idea desde el principio fue hacer autorretratos como parte de la exposición”, dice James Lewison, quien organizó la exposición. “Creo que todo el trabajo de Scherfjbeck proviene de un autorretrato”, continúa. “Si miras los retratos posteriores [des autres modèles], estos no son realmente retratos psicológicos. Los espectadores nunca te miran, ni el espectador ni el artista Schjerfbeck. Es difícil meterse en ellos. Existe este compromiso con el enmascaramiento, con el maquillaje, con la moda, y lo vemos en los últimos autorretratos de Schjerfbeck, que se manifiesta de una manera única. ”
La exposición de Helene Schjerfbeck presenta más de 60 obras. Además de los autorretratos, hay naturalezas muertas, interiores tranquilos y retratos de modelos, familiares y amigos, todo en una paleta tierna y muy nórdica. Se vislumbra un retrato de la madre del artista en una pose lateral extendida, así como un retrato extraño y curiosamente curioso de una ex novia, que dejó una devastadora sensación de traición cuando rompió su relación.
La encuesta ofrece un vistazo sorprendente a la trayectoria creativa de una artista que comenzó su prolífica carrera pintando al estilo del realismo francés, mostró algo de la influencia de los maestros holandeses y luego abrazó por completo los frescos. fresco, preciso y armoniosamente conservado del italiano. Artistas del Renacimiento como Piero della Francesca llevaron capas de pintura hasta el final para alterar la estética del envejecimiento y la edad. A pedido, incluso realizó numerosas copias de pinturas de viejos maestros, incluidos Holbein y Velásquez, con el fin de proporcionar a su país colecciones que carecían de tales tesoros y que pudieran servir como material educativo.
Modernista en el sentido nórdico del término, Schjerfbeck absorbe el pincel más suave del impresionismo, el ambiente inquietante del simbolismo, así como la dura reducción y casi abstracción que la conecta con la vanguardia parisina a medida que emerge. completamente en el siglo XX. nunca abandona los materiales tradicionales. Esto es común para muchos de sus compañeros nórdicos, incluido Edvard Munch, con quien se la ha comparado (al menos en lo que respecta a sus autorretratos).
Además, algunos de sus retratos se parecen a los de Modigliani, aunque está lejos de imitarlos. Parece haber encontrado su huella con bastante rapidez como artista, estudiando en París, viajando a Italia y pintando brevemente, al menos en dos ocasiones, en St Ives, Cornwall.
Irónicamente, fue en St Ives donde produjo la que se ha convertido en su obra más famosa, aún más conocida en la actualidad. En 1888, pintó El convaleciente. Representa a un niño de ojos brillantes, tez febril y cabello delicadamente despeinado. Envuelto en sábanas blancas y encaramado en el borde de una enorme silla de tela, el niño ata un único tallo de flor larguirucho colocado en una taza. Es una imagen de esperanza, de fragilidad pero de resiliencia. Es una pintura un poco sentimental que tiene mucho en común con las pinturas de género de niños de mejillas rosadas que tanto amaban a los victorianos. Y en cuanto a las comparaciones aquí, la pintura no podría estar más lejos del artista noruego The Sick Child, pintado tres años antes.
Pero, de la misma manera que se celebra a Munch en Noruega, Schjerfbeck es la artista nacional de Finlandia, aunque hasta hace poco apenas se la conocía fuera de los países nórdicos. Era hablante nativa de sueco, que todavía es un idioma oficial de Finlandia, y su trabajo fue comprado desde el principio por coleccionistas privados y colecciones públicas en Suecia.
Pero es en el Ateneum de Helsinki, que forma parte del Museo Nacional de Arte de Finlandia, donde se pueden ver la mayoría de sus pinturas. Exitosa durante su vida, fue la única artista femenina en formar parte de la junta directiva de la Sociedad de Arte de Finlandia. Sin embargo, su primera exposición individual no tuvo lugar hasta 1917, cuando tenía cincuenta y tantos años. En Finlandia, no se la conoció hasta la década de 1980, cuando las historiadoras del arte feministas intentaron salvar a artistas femeninas poco reconocidas.
“Lo que sabíamos que estaba buscando era la esencia de la vida y su pintura”, dice Anna-Maria von Bondsdorff, curadora en jefe del Museo de Arte Ateneum. “En cierto modo, puedes mirar estos autorretratos y ver cómo capturan la esencia de la vida. Si miras este [Autoportrait avec une tache rouge, 1944], hay un punto muy pequeño que sale de su boca; está desapareciendo, pero todavía queda el punto rojo. “
Lewison argumenta de manera convincente que el trabajo de Schjerfbeck proviene de una sensación de dolor. “Creo que su trabajo está muy marcado”, dice. “Y aunque no estaba completamente aislada, creo que se sentía aislada y fue esa angustia lo que hizo que se cortara la piel.
“Tuvo esta desastrosa ruptura y compromiso … tuvo que cuidar de su madre, y luego murió. Perdió a su padre a una edad muy temprana y tuvo esta discapacidad física luego de un accidente cuando era una niña pequeña. Creo, agrega Lewison, que todas esas cosas entraron en la mezcla.
Helene Schjerfbeck está en la Royal Academy de Londres hasta el 27 de octubre